Включи звук!

Рисуем розу. Урок №6.

     В этом уроке рисования, мы попробуем в качестве основного предмета взять цветок. Рисовать будем акварелью. Цветок сам по себе красив, тем и привлекает взгляд художника. Однако,  в природе существует масса разнообразных цветов - от одноцветных, до сложных комбинированных оттенков. Большое разнообразие наблюдается и в их формах. Очень красиво цветы смотрятся в букете. Их составление - целая наука. Но мы, чтобы научиться их рисовать, не будем брать сложные букеты. Мало того - мы возьмём в качестве "позёра" всего один цветок, причём не очень сложной формы и расцветки, например, розу и уж, конечно, не слишком малого размера. Обычно цветы ставят в вазу. Конечно, можно нарисовать цветок и лежащим на столе, либо растущим в ... поле, но в вазе он всё же как-то красивее выглядит. Следует уделить внимание и выбору вазы, её форме, расцветке и даже материалу, из которого она изготовлена - мы же хотим нарисовать натюрморт с цветком так, чтобы он выглядел лучше, чем ... у других. Не так ли? Ну и окружающий фон - ему тоже нужно уделить внимание, причём, особое! Так как рисование натюрморта с цветком мы будем начинать с его рисунка карандашом, то нам необходимо будет решить несколько задач и по самому рисунку. Итак:

1. Выбирая предметы для постановки, мы должны принять во внимание различие их размеров, формы, цвета, а подчас и материала, так как это поможет создать интересную группу предметов в натюрморте. Так, если поместить розу в оцинкованный тазик, или деревянную лоханку для мытья в бане, то такой натюрморт может претендовать на премию зрителей только в номинации "Оригинальный" и то с большой "натяжкой". Это понятно и без объяснений.

2. Выбрав предметы для натюрморта - в нашем случае это одиночный цветок розы и стеклянная ваза из голубого стекла, мы решили вопросы о его композиции и компоновке.

3. Подобрав цвет окружающего фона (цвет стены заднего плана, стола) мы решим задачу выделения главного в рисунке, придадим нашему "главному герою", в данном случае - розе, центральную (особую) точку внимания. Согласитесь, что если нарисовать розу на фоне красных цветастых обоев, да ещё на красной скатерти, то наша роза просто-напросто затеряется в этих цветах. Если же мы правильно подберём фон натюрморта, то даже расположив вазу с цветком не в центре рисунка (иногда такое расположение оказывается более предпочтительнее, если учесть красоту теней и переотражений световых пятен - а точнее, желание показать их "игру"), то они всё равно останутся в центре внимания зрителя.

4. Мы решим задачу по передаче объёмной формы предмета тоном, естественно с учётом цвета, научимся определённым правилам передачи тёмной и светлой окраски предметов.

5. Мы узнаем о тональном масштабе в рисунке, то есть о том, что средствами рисунка можно передать не абсолютную силу света и тени натуры, а лишь правильные соотношения между ними. Попытайтесь нарисовать на листе бумаги яркое солнце с той же силой света, что и в натуре - не получится! И вы поймёте о чём идёт речь!

6. Мы ознакомимся с методом передачи фактуры предмета. Но для начала выберем фактуру попроще, без слишком вычурных форм и расцветок.

7. Мы решим задачу по выбору наилучшего освещения предметов натюрморта. При его правильном, а лучше в данном случае подойдёт слово "оригинальном" выборе, рисунок будет выглядеть намного богаче по цветовому решению (тени, полутени, оттенки, отражения, переотражения, блики).

8. Мы на практике применим "непререкаемое" правило в рисовании - от общего к частному.

     Вазу с розой мы всё же, не оригинальничая (для простоты), расположим в центре рисунка (смотрите рис. №1). Сам  лист используем книжного типа (размера А4 - ватман), то есть, большую сторону расположим вертикально. Согласитесь, при таком расположении листа тонкая, высокая ваза, да ещё с помещённым в ней цветком, лучше впишется в формат рисунка.

   Рис.1. Набросок простым карандашом.            Рис.2. Нанесение первого слоя акварели.

     Немного уделим внимания освещённости. Источники света (в данном случае - окно) выберем "стандартно" - слева, так привычнее для восприятия правши. Конечно, можно и усложнить обстановку с освещением, именно обстановку, так как источник света (окно) мы не можем произвольно перемещать, но зато можем перемещать по столу саму вазу. Можно поступить и таким образом: приоткрыть дверцу посудного шкафа, у которого стоит ваза с цветком, тем самым создать неоднородность освещённости в области рисунка. Характер освещения представляет большой интерес для художника: на одной и той же постановке мы можем убедиться в том, какое влияние оказывает свет на форму предметов. Если в натюрморте используется несколько предметов, то попробуйте сравнить между собой не только  отдельные предметы, но и целые их группы. В одной группе окажутся предметы, находящиеся на свету, в другой - погруженные в тень (в нашем случае цветок, стебель и листья могут оказаться в тени, а часть вазы на свету). Обратите внимание также на то, как игра света и тени подчеркивает глубину пространства и создаёт впечатление воздушности. Сам рисунок карандашом мы выполним схематично (контур) с очень лёгким нажимом, без какой-либо штриховки. Смочим лист струёй чистой воды из под крана, дадим ему слегка подвохнуть и нанесём первый слой акварели (смотри рис. №2).

  Рис.3. Нанесение второго слоя краски.     Рис.4. Прорисовывание следующего слоя краски.

     Сразу оговорюсь: на некоторую морщинистость бумаги прошу не обращать внимания, она распрямится после полного высыхания и помещения листа под пресс. Это есть издержки процесса сканирования рисунка, когда бумага ещё полностью не просохла. К тому же качество применённой бумаги, как оказалось ... "оставляет желать лучшего"!

     Думаю, что следует немного уделить внимания и теории рисования, касающейся непосредственно самих цветов. Цветы привлекают живописца своими чистыми, разнообразными красками, своими изящными формами. Несомненно, те, кто захочет их написать, столкнётся с целым рядом затруднений. Во избежание неудач дам несколько общих советов (это как раз тот случай, когда советы можно давать без наличия на них предварительной просьбы). Для начала (в начале обучения) лучше выбирать или крупные цветы, обладающие простой формой и ясным строением, такие, например, как тюльпаны, гладиолусы, лилии, кувшинки, маки, шиповник, мальвы, или такие, которые имеют  компактную массу лепестков, вроде астр, роз, георгин, цинний, ромашки, или, наконец, мелкие цветы, хорошо объединяющиеся в плотный  букет, например васильки, лютики и т. п. Имеет значение и выбор сосуда для букета, а также выбор фона. Я повторяюсь в этом, но в данном случае это весьма не лишне - ибо известно, что повторение - мать учения! Советую избегать вычурных расписных ваз и ярких фонов. Цветы сами по себе так ярки, что лучше ограничиться скромной стеклянной или глиняной банкой (как вариант, вазочкой) и фоном спокойного цвета. Основная  трудность этюда заключается в том, чтобы показать букет (а рано или поздно вам захочется нарисовать именно букет!) не как собрание отдельных цветов, а как единую сложную форму, обладающую объёмом. Мы видим одну часть букета затемнённой, другую - освещённой. Одни цветы выдвигаются вперёд, другие отступают в глубину. Разница в освещённости и в планах пространства отдельных частей букета влияет на яркость и насыщенность цвета. Букет получится выразительным, если вы из всей массы цветов выделите наиболее ясно выступающие и их покажете более детально, чем остальные. Не стремитесь к разработке деталей каждого цветка - это может только повредить общему впечатлению от всего букета, он станет похож на хорошо детализированный чертёж. Большое внимание уделите правильному выбору освещения и максимально точной подборке цветовых оттенков.

     Рис.5. Усиливаем фон, рисуем розу.              Рис.6. Углублённее прорисовываем вазу.

На рисунках №5 и №6 показаны следующие этапы рисования по методу "Лессировки".

     На них видно, как поэтапно мы движемся от частного к общему - сначала прорисовываем общие участки (фон стены, стола), а затем начинаем прорисовывать листочки, лепестки цветка, детали вазы. Не забываем и про такие мелочи, как тени, полутени, отражения, блики, блёстки (искорки). Следует напомнить, что как тени, так и переотражения почти всегда бывают цветными.

     Несколько слов следует сказать о цветовом решении этюда. Его можно решить как в скромных тонах, так и на сопоставлении контрастных цветов - коричневая стена,  стол с яркой скатертью, жёлто-красные цветы, светло-желтая, слегка пожухлая листва, а рядом противопоставлены пучки холодной зелени листьев и холодный, синевато-белый цвет вазы. Живописным центром в нашем этюде будет сама роза. Она сдвинута чуть в сторону от центра - так мы избежали полной симметрии, что иногда негативно воспринимается глазом. Следует обратить внимание и на цветовую композицию. Так участки с одинаковыми или "смежными" цветами расположены более-менее равномерно по всему листу бумаги, тем самым дополняя и уравновешивая друг друга. Глядя на похожие участки как стены, так и стола, мы как бы невольно скользим взглядом по листу, только ненадолго задерживаясь на них, и хотим того или нет, но наш взгляд невольно переходит на главный предмет нашего этюда - розу, и уже надолго задерживается в этой области картинки. Однако мы в своём натюрморте используем вышесказанное комбинированно. Так окружающий фон будет решен в относительно скромных, почти пастельных, тонах, а ваза и цветок - поиграем на их контрасте с окружающим фоном. Некоторые предлагают начинать писать этюд с тёмных мест, другие, как бы в противоположность, советуют начинать с самого яркого предмета, иногда начинают с фона, а бывают случаи, когда яркий цвет приберегают к концу, сначала создав ему окружение из более спокойных цветов. Однако, в любом случае следует помнить, что тот цвет, с которого вы начинаете писать, как правило, и задаёт задел всему цветовому решению этюда. В живописи нет таких точных правил, как в рисунке, где рекомендуется определить сначала самое тёмное и самое светлое место. Иногда советуют начать живопись с определения двух наиболее контрастных цветов, но всё же строго этих правил придерживаться не стоит, поэтому и я выбрал здесь некоторый свой путь, а именно: постарался сыграть на контрасте мягких (стена и стол) и резких (ваза и цветок) цветов. Следующие этапы рисования показаны на рисунках № 7 и №8.

   Рис.7. Усиливаем цвета.   Рис.8. Больше внимания уделяем деталям (роза, листья, ваза).

     Постепенно начинаем переход от общего к частному, то есть прорисовывать более мелкие детали рисунка. Детальную разработку надо понимать не как выписывание мелких подробностей, например жилок на листве, мест градаций на лепестках цветка, рёбер корпуса вазы и т. д. Можно, конечно, чуть позже дать и эти детали (и даже -обязательно!), но так осторожно, чтобы не нарушить основных форм. Главная задача доведения этюда до законченного состоит в обогащении его цветом, в поисках более тонких оттенков для убедительной передачи объёмной формы и материальных качеств предметов. Поясню это на примере хотя бы тех же листьев. Общий цвет их на свету, да и в тени тоже, уже найден. В целом его можно назвать холодным. Но этот цвет представляет собой не сплошную ровную массу, а сложную смесь холодных и тёплых оттенков (приглядевшись, можно заметить как зелёные, синие, так и желтые цвета). Цвет получается, как говорят, "живым", если передана эта игра, эти колебания тёплого и холодного оттенков в пределах данного цвета. Мало того, хорошо приглядевшись, можно заметить контраст тёплого и холодного цвета в освещённой и затенённой частях листвы (свет холодный, а тень тёплая или наоборот). Следует придать большое значение и цветовым оттенкам теней и полутеней, а также отражению вазы. Как уже упоминалось выше по тексту, эти элементы картины в большинстве случаев бывают цветными. Последнее уже хорошо заметно на данном этапе рисования.

     Мы, в процессе рисования этого этюда уже проделали огромную работу. На этом этапе глаза могут устать (в этом случае говорят, что уже в глазах рябит), поэтому могут появляться ошибки. Если вы перестанете отдавать себе ясный отчёт в том, что видите, если почувствуете утомление глаза, дайте ему отдых, поверните этюд к стене, не глядите на него некоторое время. На этом этапе не помешало бы выполнить проверку на предмет правильности рисования, так сказать - промежуточную ревизию нарисованного. Но, не торопитесь, можете даже отложить окончательную проверку нарисованного этапа до следующего дня. Цель этой проверки состоит в обобщении этюда, в доведении его до живописного единства, - для этого надо смотреть на этюд с некоторого расстояния. Тогда вам станет ясно, что кое-что в этюде требует смягчения, кое-что - усиления цвета. Некоторые подробности покажутся чересчур назойливыми, других может недоставать. Все части натюрморта вы должны "поставить на место", то есть подчинить их живописное решение соответствующему пространственному плану: нельзя допускать, чтобы удалённые предметы на этюде выдвигались вперёд, а близкие проваливались вглубь. В итоге нужно добиться того, чтобы ваш этюд создавал то впечатление, которое соответствует вашему восприятию натуры. И ещё: подобные "ревизии" не помешало бы делать на каждом этапе рисования - метод лессировки к этому явно располагает (он включает в себя не менее десяти этапов). Следующие этапы натюрморта показаны на рисунках №9 и №10.

  Рис.9. Продолжаем усиливать краски.                Рис.10. Ещё сильнее "сгущаем краски".

     Ещё раз вернёмся к деталям этюда. Обратите внимание на лепестки розы: это не просто участки холста закрашенного одной краской. Тут просматриваются и красные, и розовые, и желтые, и фиолетовые, и коричневые цвета. Причём часть из них нанесена при использовании процесса смешивания красок на палитре (в нашем случае на белой фарфоровой тарелке), а часть методом лессировки (путём наложения разных цветов красок друг на друга - смешивание цветов происходит непосредственно на холсте). Лессировка позволяет создать плавный переход как от одной градации яркости к другой, так и плавный переход от одного цвета к другому. На рисунках №11 и №12 вы можете наблюдать как при помощи лессировки улучшается "чувство объёма" этюда.

Рис.11. Прорисовка лепестков. Метод лессировки.  Рис.12. Лессировка углубляет объём этюда.

     Несколько слов следует сказать и о чёрном цвете. На первый взгляд кажется, что его совсем нет в картине. Но это не так. Он используется как составная часть (наряду с тёмно-коричневым, тёмно-синим, тёмно-зелёным и другими подобными цветами) при смешивании красок, используемых для прорисовывания тёмных участков (тени, тёмные детали вазы, затенённые участки листвы и лепестков розы). На рисунке нет чётких чёрных линий - и это правильно! В природе (в натуре) подобное - очень большая редкость. К тому же следует помнить и о том, что чёрный цвет на одном участке картины чёрному цвету другого участка - рознь. Даже очень тёмный участок на натуре всегда имеет какой-либо цветной оттенок. Другое дело, что не каждый может его сразу уловить. Многие эти  оттенки черного "чувствуют" ... как более тёплый или более холодный цвет. Обратите внимание и на отражение вазы на плоскости стола. По цвету оно близко к цвету вазы, но в отдельных случаях может и сильно отличаться, ибо смешивается с цветом стола, а так же из-за взаимодействия и с цветом окружающих предметов. Но сила отражения (контрастность) всегда будет заметно слабее изображения отраженного предмета. И только в некоторых местах (блёстки солнца, блики от зеркальных и полированных поверхностей, игра света на гранях стеклянных и хрустальных предметов, преломление света внутри них) за счёт отражающих и преломляющих свойств света, они по силе могут превосходить "оригинал", но, как правило, на очень ограниченных по площади участках.

Рис.13. Предпоследний этап рисования.          Рис. 14. Завершающий этап натюрморта.

     На рисунках №13 и №14 показаны предпоследний и завершающие этапы рисования натюрморта. Вот здесь уже и можно дать волю мелкой кисточке с целью прорисовывания более мелких деталей. Однако, будьте внимательны - не переусердствуйте! Иногда слишком подробная детализация рисунка может ему навредить. Не следует очень чётко прорисовывать все мелкие детали , а только те, которые мы считаем главными и хотим чтобы зритель обратил внимание именно на них. Как правило это относится к главному предмету натюрморта - в нашем случае к розе. Эти снимки (13 и 14) получены методом сканирования, когда бумага ещё была несколько влажная (слегка подсохла), поэтому они как по силе света, так и по цвету красок немного отличаются от окончательного "оригинала" (смотрите рисунок №15), снимок которого сделан фотоаппаратом Canon через несколько дней после окончания работы над натюрмортом (лист ватмана окончательно высох и расправлен под прессом, в качестве которого использовалось несколько увесистых книг). Вот здесь как раз и наблюдается тот случай, когда нарисованное воспринимается по-разному не только отдельными людьми, но и даже разными по своей внутренней начинке аппаратами. В натуре же картина воспринимается гораздо лучше (впрочем, это моё субъективное мнение - окончательная же оценка всегда должна оставаться за зрителем!), чем отсканированный или сфотографированный вариант.

Рис.15. Окончательный вариант натюрморта под названием "Роза".

     Ну и в заключении этого урока, хочу пожелать вам большущих успехов в освоении предложенных мной приёмов рисования! Если этот мой, не совсем "научный" урок принёс кому-либо хоть какую-то пользу, то буду весьма и весьма доволен и даже слегка ... польщён! Всего доброго! Успехов!

Урок и рисунки Рубцова Владимира Петровича.

Включите звук!

Песня "Букета прима - королева роз". Слова: Рубцов В.П. Музыка: обработка мелодии песни "Королева красоты" - Кучин Николай.

73!